▲도성암에서 추억을 회상하고 있는 김보현 화백./조윤제기자/

 

‘고통과 환희의 변주곡’

김 화백은 종종 ‘현대미술이 버린 것을 나는 되살리고 싶었다’는 말을 했다. 하지만 그가 새로이 관심을 가지며 그림의 내용으로 채우려고 한 문학적 주제성은 예전처럼 어떤 구체적 현실이나 상상의 표현이 아니라 작가가 살아온 세월 속에서 쌓인 잠재의식이 캔버스 앞에서의 마음과 손의 즉흥적 움직임을 따라 구체적으로 그려진 결과의 이미지이다.

그림을 그리기 전에 어떤 주제나 내용 전개의 구성이 없이 무엇을 그리겠다는 생각을 전혀 하지 않은 가운데, 캔버스를 펼쳐 놓고 오른쪽 위로부터 곧바로 화필을 놀리며 그 진행 순간순간에 착상된 현상의 그림을 자유롭게 탄생시키는 것이 그의 작품세계이다. 그것은 작가의 의식과 무의식, 상상과 잠재의식이 즉흥적으로 교차되고 공존하는 그런 그림이다.

그래서 김 화백은 자신의 작품에 대한 철학도, 그에 따른 어떠한 논리도 규정하지 않는다. 그런 철학과 논리가 필요없는 철저한 자유의 화가를 추구하고 있는 것이다.

따라서 김 화백의 그림은 처음과 끝이 완전히 달라 예상이 되지 않는다. 몇 시간 화폭을 쳐다보고 붓을 놓은 적도 있고, 그림이 잘될 때는 그때 그때 느낀 대로 ‘쓱쓱’ 그림이 완성되기도 한다.

지난 2007년 국립현대미술관에서 김보현의 화업 60년을 돌아보는 ‘고통과 환희의 변주곡’이라는 전시회가 열렸는데, 전시를 기획한 기혜경씨는 김보현의 화업 60년을 세 단계로 규정했다. △50~60년대 추상표현주의 회화의 ‘열정을 넘어’ △70년대 일상적인 정물을 극사실적으로 그려 회화의 근본문제를 제기했던 ‘존재하는 모든 것은 아름답다’ △80년대 이후 소품에서 벗어나 대작으로 옮겨가 자신의 기억과 상상을 통해 그린 ‘고통과 환희의 변주곡’이 그것이다.

김보현 화백이 작품 앞에서 포즈를 취하고 있다.

김보현 화백이 작업을 하고 있다.